martes, 19 de abril de 2011

PANDA BEAR - TOMBOY


PANDA BEAR

TOMBOY

Paw Tracks, 2011



"Beach Boys meets eletronic"


Dejemos las cosas claras antes de nada: Noah Lennox (aka Panda Bear) es uno de los cuatro miembros fundadores de Animal Collective, una de las bandas más importantes de esta década. Panda Bear es su proyecto en solitario, con el que debutó con una marcianada llamada 'Young Prayer' (2004), pero que rompió todas las expectativas con su siguiente álbum 'Person Pitch' (2007), considerado uno de los álbumes más influyentes de los últimos años. Tan buena era aquella centrifugadora psicodélica que había creado Noah que sirvió de chispa incendiaria para que el siguiente álbum del colectivo se convirtiese en la obra más redonda de Animal Collective y su 'Merriweather Post Pavilion' (2009) en la obra magna del grupo (y eso que el anterior álbum 'Strawberry Jam' (2007) era una bomba).

Total, que no es de extrañar que el nuevo disco de Panda Bear sea desde el momento de su lanzamiento. Pero la pregunta es... ¿Está 'Tomboy' a la altura de las expectativas creadas? Bueno, sólo en parte. Veamos...

La clave de álbum , de lo que es 'Tomboy', de su sonido y de su concepto nos la dio el propio Noah Lennox en una de sus primeras entrevistas en las que anunciaba su nuevo álbum, ya hace casi un año:

“Los ritmos son realmente básicos, y en cierta manera son crudos y simples, y electrónicos. No hay instrumentación real. He estado tocando la guitarra, pero siempre pasada a través del mismo aparato por el que paso las secuencias. El sonido es muy electrónico, y muy pesado a nivel de voces. Un arreglo simple de batería, guitarra y voz. No suele haber más de dos o tres elementos en cada canción. Suena bastante crudo, para bien o para mal. El tono general es bastante más oscuro, y tiene un algo dramático o romántico, al menos para mí”

De verás, nunca un artista fue tan sincero y consciente de lo que tenía entre manos. La primera característica que destaca en 'Tomboy' es el alejamiento de los ritmos más cálidos de su predecesor y del sampleo barroco. Los primeros adelantos nos dan la clave, "You Can Count On Me" y "Tomboy", dos cortes muy electrónicos, ritmos pregrabados muy elementales, mucha guitarra procesada y la voz pesada de Noah como elemento principal. Más tarde, con la aparición de "Slow Motion", un extraño corte que bebe directamente del hip hop y el dub, o "Last Night at the Jetty", Noah reincidía en ese sonido "básico" y "crudo", falto de chispa inicial y sonido extremadamente introvertido.
No hay estribillos adictivos, no hay arreglos llamativos. Muchas canciones suenan casi a demos. ¿Qué está pasando? ¿De veras 'Tomboy' es esto? Pues parafraseando a Noah de nuevo, "para bien y para mal" sí, así es.

El alejamiento del nuevo trabajo de Noah de los excesos de su anterior trabajo alcanza su clímax en cortes tan minimalistas como "Scheherezade" y "Drone". La primera, un corte descaradamente ambient que parece robado de cualquiera de los "Music for...", de Eno; mientras que en la segunda, haciendo honor a su nombre, la voz "pesada" y cargante" de Lennox se extiende entre ligeras variaciones de sonido hasta desembocar en un drone final eterno (casi minuto y medio), poniendo a prueba al oyente más conformista. ¿Truco o trato?

Pero 'Tomboy' también tiene una cara más amable y vitalista. Probablemente Sonic Boom, contratado por Noah Lennox para las mezclas finales del álbum tenga mucho que ver con esta cara, ya que el sonido se aleja de la claridad cristalina de los primeros avances para adentrarse en terrenos colindantes a los de 'Person Pitch'. Aparecen entonces cortes como "Surfer's Hymn", tributo surfero a sus amados Beach Boys, y las que creo son las dos joyas del álbum, "Alsatian Darn" y "Afterburner", complejas, bellas hasta el extremo y rebosantes de samplers y ritmo.

'Tomboy' es un disco jodidamente difícil. En sus escuchas uno pasa por los cincos estadios del duelo: rechazo, ira, negociación, depresión y, finalmente, aceptación.

Rechazas los primeros singles y su sonido, incluso hasta el punto de pensar que no son versiones definitivas. Luego sientes ira al comparar lo mucho que te gustaba 'Person Pitch' y lo poca cosa que te parece 'Tomboy'. Negocias cuando te das cuenta que pese a todo al menos 4 0 5 cortes te van gustando pese al chasco inicial. Entras en depresión cuando no llegas a entender temas como "Drone", "Benfica" o "Friendship Bracelet". Pero al final, con el paso del tiempo y sin entender cómo es posible que cada mañana necesites escuchar de nuevo el disco para sentirte más tranquilo, aceptas el cambio de sonido planteado por Lennox.

Así que no te resistas 'Tomboy', pese a sus defectos es un disco mágico y especial. "Para bien o para mal".

LO MEJOR: Es un disco muy arriesgado y personal, o sea, la marca de la casa del colectivo animal.

LO PEOR: Al menos tres canciones entraron en el setlist por los pelos. "Benfica", "Surfer's Hymn" o "Friendship Bracelet" bajan mucho la nota final del álbum.

UNA CANCIÓN: "Afterburner"


lunes, 11 de abril de 2011

TV ON THE RADIO - NINE TYPES OF LIGHT


TV ON THE RADIO

NINE TYPES OF LIGHT

Interscope, 2011



Rock + Pop + Funk.

'Dear Science' marcó un punto de inflexión en la carrera de TV on The Radio. Allí la banda americana apostaba por canciones más directas y comerciales, ala mismo tiempo queel funk ocupaba un papel fundamental en las composiciones en detrimento de la electrónica y la experimentación sonora y vocal que marcaban el camino de las anteriores obras, aquellos magníficos 'Desperate Youth, Blood Thirsty Babes' (2004) y 'Return to Cookie Mountain' (2006). La apuesta salió bien, básicamente gracias a una prodigiosa producción por parte de David Sitek y ante todo porque el disco tenía canciones, muy buenas canciones, porque al final todo se reduce a eso.

Tras 'Dear Science' se inicio un periodo de transición que algunos componentes aprovecharon para dedicar a proyectos paralelos y colaboraciones, con resultados tan dispares como faltos de interés. Kyp Malone editó su mediocre debut en solitario bajo el nombre de Rain Machine, mientras Tunde Adebimpe, ponía voz al tema "Pray for Rain" en el no menos decepcionante 'Heligoland' de Massive Attack. Sólo, David Sitek se salvaba de la quema con su proyecto Maximum Balloon que, si bien no es para tirar cohetes, al menos resultaba disfrutable y entretenido. De hecho Maximum Balloon y el señor Sitek tienen mucho que ver en el resultado de 'Nine Types of Light', cuarto álbum de estudio de la banda y, desgraciadamente el peor que han editado hasta el momento, pese a no ser un mal disco, todo hay que decirlo.

'Nine Types of Light' tiene demasiados errores de concepto. El primero es parecerse demasiado a un disco innecesario e intrascendente como 'Maximum Balloon', reincidiendo en el pop y en el sonido más comercial y menos pretencioso de la banda, que si bien como dije en 'Dear Science' funcionó bien, aquí y ahora, en el año 2011, suena repetitivo y falto de ideas. Además pese a que el álbum tiene buenos temas ("Future Shock", "Will Do", "Caffeinated Consciousness" o "Killer Crane" entre ellos) al disco le faltan cotas, gemas, CANCIONES en mayúscula que resaltar. La producción es saneada, pero falta profundidad en el sonido de la banda y se han perdido las capas de ruido que tan grandes hicieron sus dos primeros discos. Ahora las canciones son muy saneadillas, bellas, bien grabadas, pero muy muy planas, con arreglos sencillos pero que no sorprenden a nadie a estas alturas.

Afortunadamente, como digo el disco desprende buen hacer y belleza y es completamente disfrutable. De hecho, funcionaría genial como álbum de debut para cualquier banda, pero tratándose de TV on The Radio, esperaba mucho más. Hay que tener en cuenta que estamos hablando de una de las grandes bandas del momento. Cuando se sacan discos a veces hay que tener en cuenta quién eres y el legado que has dejado hasta ese momento. Las comparaciones son odiosas, especialmente cuando se nos compara con nosotros mismos. No comparen 'Nine Types of Light' con las otras obras de TVOTR. Yo lo hice y me siento algo decepcionado.

LO MEJOR: El disco es 100% disfrutable, está bien hecho, bien producido y es bonito.

LO PEOR: La falta de pretensiones de la banda. Para mi que han grabado el disco en 4 tardes.

UNA CANCIÓN: "Killer Crane"


P.J. HARVEY - LET ENGLAND SHAKE


P.J. HARVEY

LET ENGLAND SHAKE

Island, 2011.



"Rock after the war"


Demoledor. Así podríamos definir el nuevo trabajo de Polly Jean Harvey. 'Let England Shake' es un trabajo que ahonda en las miserias de la guerra y la implicación de su "beautiful England" en ellas. Y es que las iras, protestas y gritos desesperados de P.J. se centran en diversos conflictos bélicos que han ido manchando la historia de la entente Angloamericana a lo largo de los años. Así, encontramos referencias que van desde la 1ª y 2ª Guerra Mundial hasta llegar a los conflictos actuales por el crudo en oriente medio. Curiosamente, pese a la temática sesuda de que tiñen las letras de este disco, de las que hablaremos a continuación, este nuevo trabajo en lo musical es abiertamente más acogedor y asequible que, por ejemplo, su anterior disco 'White Chalk' (2007), donde el barroquismo y la oscuridad inundaba casi la totalidad del minutaje. De hecho, 'Let England Shake' es, hasta comercial (sobre todo si no se tiene mucho idea de inglés) y canciones como "The Glorious Land", "The Words that Maketh Murders" o "Written on The Forehead" son bastante radiables y con gancho. La culpa de todo esto la tiene unos arreglos instrumentales bellos, cuidados, ensoñadores, perfectos para evocar las desgarradores imágenes que nos describen los versos de P.J.

Polly, para dotar de música a este álbum, ha contado de nuevo con la colaboración de su media naranja John Parish, además de Mick Harvey y Flood en la producción. Así, por momentos 'Let England Shake' nos enseña la cara rock más amable de P.J., sin abandonar tampoco los retazos de folk pastoral y mágico en los que la compositora se maneja a la perfección. Pero si algo llama la atención en este disco es la constante incursión del Autoarp en muchos de los arreglos de los tracks, y que no es más (ni menos) que una mezcla entre harpa y piano, de extraño y enigmático sonido, que la excéntrica compositora no abandona ni para dormir desde que comenzara el proyecto de escribir este nuevo disco. Sin duda, un gran hallazgo sonoro.

Pero si bien 'Let England Shake' es un disco de notable alto en lo musical, si hablados de sus letras, la cosa adquiere tintes sobresalientes. Cierto que estamos ante el álbum político de P.J., pero no hay que temer por ello a encontrarse un cancionero propio de los discos de jarcha ni nada por el estilo. Polly tira de lirismo y poética para escribir 12 fogonazos de dolor contenido, creando pequeñas postales sentimentales donde se nos recuerda que los conflictos no van de vencedores ni vencidos, sino de vidas cercenadas por los proyectiles ("The Colour of The Earth"), vidas frustradas que nunca verán la luz de este mundo o de bellos rincones de la campiña inglesa donde la sangre resuena por los poros de la tierra ("On Battleship Hill").

En verdad hacía muchísimo tiempo que un disco no me tocaba tanto y me estremecía tanto como algunos de los versos que escribe P.J. Harvey en su nuevo disco. Y más sorprendente aún me resulta que los dos temas más comerciales del álbum contengan dos de las letras más duras, antibelicistas que haya leído en mucho tiempo, como el comienzo devastador de "The Words That Maketh Murder", (I’ve seen and done things I want to forget, I’ve seen soldiers fall like lumps of meat, Blown and shot out beyond belief, Arms and legs were in the trees") hasta su estribillo final con esa amenaza sorprendente y descarada recitando repetidas veces ese "What if I take my problem to the United Nations?". Caso aparte tiene "The Glorious Land", probablemente la mejor canción que haya firmado P.J. en su carrera y que es todo un puñetazo en la barriga a la memoria histórica inglesa ("What is the Glorious fruit of our land?, Its fruit is deformed children. What is the glorious fruit of our land? Its fruit is orphaned children"). ¡Uff, que duro!

No, no se equivoquen, 'Let England Shake' no es el disco "maduro" de la discografía de la compositora inglesa. Ni su álbum político. Ni su álbum comprometido... ni nada por el estilo.
Simplemente es el mejor que ha sacado nunca, y eso son palabras mayores. ¡Ah, sí!, se me olvidaba: disco del año por el momento y sin pinta de que vaya a ser desbancado.

LO MEJOR: Las letras, pese a la brillantez de la música.

LO PEOR: No ser angloparlante y no preocuparse en saber qué estamos escuchando.

UNA CANCIÓN: "The Glorious Land".





miércoles, 6 de abril de 2011

BILL CALLAHAN - APOCALYPSE (2011)


BILL CALLAHAN

APOCALYPSE

Drag City, 2011.



Rock Polvoriento.


Desde luego, ¡qué grande es este señor! Mr. Callahan pertenece a ese selecto grupo de compositores que, tras años y años en este mundillo degradado de la música, siguen publicando discos no ya dignos, sino imprescindibles, dejando el listón tan alto que prácticamente el 80% de los grupos actuales deberían sentirse avergonzados con sus propias obras. Sí, hablar de gente como Bill Callahan, P.J. Harvey, Nick Cave, Björk, Peter Gabriel, David Bowie... me hincha de orgullo y satisfacción (como al rey). Bueno, sí, vale. Limpio el charco de babas que hay a mi alrededor y prosigo con la reseña.

Bill Callahan vuelve a la palestra dos años después del aclamado 'Sometimes I Wish We Were an Eagle' con su tercer disco de estudio desde que abandonara su alter ego (Smog) para firmar bajo sus nombre los discos. 'Apocalypse' es un viaje a través del Far West americano, en una obra no precisamente oscura, pese a su título (esa etiqueta se la merece más su impresionante 'Rain on Lens' de 2001). Más bien, nos encontramos a un Callahan en lucha entre su lado más calmado y sosegado, gracias a las preciosísimas "Riding for The Feeling", "One Fine Morning" (emocionante hasta decir basta) y "Baby's Breath" (ojito a su clímax final), frente y uno más rockero, donde profundiza en la cultura musical americana, con cierta ironía, con joyazas tales como "Drover" o "America!", donde Callahan da rienda suelta a su lado más guitarhero. Todo ellos, aderezado con arreglos sutiles, sencillos, alejados de la orquestación de su anterior álbum. De hecho, Apocalypse comparte bastantes similitudes en lo musical con 'A River Ain't Too Much to Love' (2005), el que para servidor es la cota compositiva del americano, en cuanto al tono calmado de alguna de sus composiciones. Así muchas canciones aparecen adornadas con modestos arreglos de piano, violín o flauta, creando un ambiente cálido, sosegado y rico en matices, que alcanza su cenit en los temas que abren y cierran el disco.

Lo dicho: gran disco. Se me cansa la lengua ya de decir que Callahan es uno de los mejores compositores-cantautores americanos de los últimos 20 años. Además, este hombre no canta, acaricia cada sílaba y la convierte en flechas emocionales. Bueno, si creéis que no tengo razón en lo que he dicho, tendréis que esperar a rebatírmelo con otro disco porque con éste... vais listos.

LO MEJOR: El ritmo que lleva Bill Callahan de editar grandes discos y que no cesa desde 1995 cuando publicó aquel "Wild Love".

LO PEOR: Que no es mejor que su anterior disco.

UNA CANCIÓN: "Drover"


Bill Callahan - Babys Breath by ilostmyself

sábado, 19 de febrero de 2011

RADIOHEAD - THE KING OF LIMBS


RADIOHEAD

THE KING OF LIMBS

XL, 2011.

"Radio...fórmula"




Hasta el pasado domingo, lo único que sabía de Radiohead era lo que llegaba a mis oídos, como cuenta gotas, sobre el proceso de grabación de su nuevo álbum. Por un lado decía que si estaban tomando caminos nuevos y motivantes y que la banda sonaba totalmente distinta... Luego que si estaban pensando en borrar todo lo conseguido y empezar de nuevo desde cero.... Y de repente nos salen con un nuevo álbum en un anuncio sorpresa es lunes para descargar en 5 días escasos. ¡Zás, en toda la boca!

¿El disco? 'The king of Limbs'. ¿Formatos? Por descarga directa previo pago o en versión newspaper, la primera de la historia, de lujo, con Cd y doble vinilo. ¿Newspaper? ¿Eso qué es? mejor no preguntes y cómpratelo, que sea lo que sea es la primera vez que sale esto y seguro que será objeto de coleccionista. ¿El tracklist? Aaaah, ¡Sorpresa! nadie la sabe, pero parece que será una evolución lógica del sonido de la banda. Mierrrrda, nunca fui muy bueno estudiando lógica, así que a saber lo que habrán querido decir con ello.

Total, que cuando contabas ya las horas, minutos y segundos, aparece una notita de Ed O'brien en la web de la banda apiadándose de los fans y adelantando unas horas el lanzamiento del álbum. ¡A descargar se ha dicho! Y para rematar cuelgan el vídeo de su primer adelanto "Lotus Flower", en blanco y negro, con un Thom Yorke con media melena y bombín hasta arriba de pastillas y con un bailoteo epiléptico que mataría (otra vez) de envidia a Ian Curtis.

El caso, una semanita intensa donde se ha levantado mucho ruido, pero que a la vista del resultado final, encontramos poquitas nueces. Y es que 'The King of Limbs' sintetiza toda su capacidad para sorprender en lo que os acabo de contar en los párrafos anteriores. Tras escuchar detenidamente el álbum uno no puede sino pensar que estamos ante más de lo mismo, un producto continuista, con ligeros pero intrascendentes cambios, pero definitivamente menos avispado y acertado que discos anteriores de la banda.

Comienza "Bloom", a mi entender la única canción que, pese a ser heredera del sonido 'Kid A', muestra mayores aportaciones sonoras, gracias a un crescendo final muy bueno, donde los bellos arreglos de cuerda y trompeta se tiñen de psicodelia y jazz, creando una amalgama sonora de gran belleza. No sé qué tiene "Morning Mr. Magpie" me recuerda irremediablemente al 'Sgt. Pepper' de The Beatles, quizás sean sus toquecitos arabescos. El corte posee una excelente producción, pero carece de gancho y termina dando la sensación de ser una canción que pudo ser algo grande, pero se quedó en el camino. Este defecto es igualmente perceptible en "Little by Little": interesante comienzo, buen ritmo, gran ambientación, luego repetición sin argumentos y poco más. Pero la palma se la lleva "Feral", enésimo ejercicio de electrónica abstracta de la banda, innecesaria, reiterativa y mediocre; parece sacada de los desperdicios de 'Amnesiac'. ¿Acaso no aprendieron anda de los errores de 'Hail to the Thief'?

El momento más luminoso y asequible de 'The King of Limbs' viene con "Lotus Flower", no sólo por ser el único tema con un estribillo evidente sino por ser de los pocos cortes que saben ir al grano y no difuminarse tras el primer minuto de escucha. Sin embargo, "Codex" nos devuelve a la realidad con una aburridísima balada marca de la casa sostenida sobre el piano de Thom Yorke. Obligado momentazo de aflicción que continúa con "Give up the Ghost", ahora a guitarra acústica, que escapa de la quema gracias a un bellísimo final y la sencillez que desprende. Gran canción. El disco se cierra con "Separator", una canción de tono épico, enmarcada en una batería en loop, que no me termina de convencer pese a sus intentos por dar un final emotivo y trancendental al disco.

En definitiva, 'The king of Limbs' es el disco más flojo firmado por Radiohead desde que debutaran hace casi 20 años con 'Pablo Honey'. La reiteración de un sonido ya bastante agotado y, lo que es más preocupante, la falta de canciones de peso convierten este disco en una decepción. No soy de los que piensan que una banda está obligada a reinventarse a cada disco, eso es imposible, pero sí soy de los que creen que una banda tan grande está obligada a dar más de lo que ofrecen aquí en estas 8 canciones de escasos 38 minutos.

Sin embargo, tampoco hay que ser tremendistas: 'The king of Limbs' no es en ningún caso un mal disco. las sucesivas escuchas nos ayudan a sacarle mucho jugo a este álbum, extrañamente adictivo y enigmático. Además, pese a sus defectos y carencias, muchas de sus canciones, contienen momentos alto nivel (los minutos finales "Morning Mr. Magpie" o "Give up the Ghost" son realmente buenos, por ejemplo). Simplemente, hablamos de Radiohead, así que esperamos mucho más de ellos.

Por cierto, "Separator" culmina con una frase que podría esconder mucho sobre el futuro inmediato de la banda: “if you think this is over then you’re wrong”. Teniendo en cuenta lo poco generoso que ha sido el tracklist del disco y la cuantiosa cantidad de canciones, rodadas en los conciertos, y que se han quedado fuera, no descarten otro álbum en breve. Ya lo hicieron con 'Amnesiac' y con el 2º Cd de 'In Rainbows'. Aún así, me da que los días que gloria de esta banda están acabándose. Ojalá me equivoque y estemos simplemente ante un disco de transición.

LO MEJOR: Que es un disco extraño, oscuro, minimalista y adictivo.

LO PEOR: El estancamiento de la banda en su sonido Post- Kid A y la falta de canciones "de peso".

UNA CANCIÓN: "Bloom"






OTROS DISCOS DE RADIOHEAD...


PABLO HONEY
Parlophone, 1993.


Radiohead debutaron con este disco de rock desenfadado e ingenuo, de desacertado título, que será recordado casi exclusivamente por contener su mayor y más recordado hit: "Creep". A día de hoy reniegan totalmente de 'Pablo Honey'. Lo cierto es que el descarado tributo del grupo a grupos como U2 o Pixies no jugaba a su favor. Aún así, "You" o "Prove Yourself" merecen ser salvadas de la quema. Quién iba a pensar lo que darían de sí después.


THE BENDS
Parlophone, 1995


Un paso a delante, pero de los grandes. Radiohead consigue parir un disco de Rock, con mayúsculas, ya con Nigel Godrich a los mandos de la nave. Destellos de rock rabioso en "The Bends", "Bones" o "My Iron Lung", con magníficos arreglos y pequeños pinitos con la electrónica, mezclado con baladones antológicos donde Yorke adquiría ese rol de plañidero para la eternidad. Imposible escuchar el tándem "High & Dry", "Fake Plastic Trees", "(Nice Dream)" y "Street Spirit" sin tener el corazón en un puño. Se hicieron mayores de golpe.


OK, COMPUTER
Parlophone, 1997.


Radiohead tocó el cielo con esta obra oscura y melancólica, considerada una de las piezas más influyentes de los 90s. 'Ok Computer' es una oda cínica y pesimista sobre el capitalismo, la tecnología y la alineación humana. Nunca antes un disco de rock sonó tan marciano y arrebatador. El rock se torna futurista y poliédrico, entre capas y capas de arreglos y una desbordante capacidad para emocionar. Un disco perfecto, irrepetible e imposible de superar... ¿o era posible?


KID A
Parlophone, 2000.


'Kid A' sintetiza en 10 canciones la capacidad del grupo para sorprender, innovar y superarse a sí mismo. Lejos de amedrentarse por el impacto de 'Ok Computer', decidieron salir por la tangente con un disco arriesgadísimo y diametralmente distinto, pero rebosante de genialidad y que dejó a medio mundo boquiabierto. IDM, Drum´n´Bass, Free Jazz, pop orquestal, psicodelia rock... Algunos dirán que no inventaron nada, pero consiguieron que lo que otros inventaron sonara glorioso. Música del siglo XXI. Irrepetible.


AMNESIAC
Parlophone, 2001.


Nacido de las sesiones de grabación de 'Kid A', supuestamente como un disco distinto e independiente (discrepo, la verdad) este disco supone una vuelta de tuerca más dentro del giro adoptado por la banda. Menos conceptual, aunque definitivamente más inaccesible, 'Amnesiac' intercala algunos de los momentos más experimentales de la banda ("Pulk/Pull Revolving Doors", "Like Splinning Plates"), con otros de extremada belleza y lucidez ("Pyramid Song", "Knives Out"), encontrado hueco incluso para incursiones en el jazz. 'Amnesiac' es como una noche sin luna.


HAIL TO THE THIEF
Parlophone, 2003.


Radiohead seguían rescatando canciones de las sesiones de sus anteriores discos, que quedaron retratadas junto a algunas nuevas en este álbum, inevitablemente irregular y reiterativo, que lucha por aunar el presente y el pasado de la banda y termina por perderse en terreno de nadie. Pese a todo, contiene un puñado de perlas de gran valor. El genial inicio con "2+2=5", se baladón a piano que es "Sail to the Moon", la furia de "Myxomatosis", el rescate de "A Wolf at the Door" o "There there" justifican de largo este disco.


THOM YORKE
THE ERASER

XL, 2006


Thom Yorke debutaría con este disco, dando rienda suelta a toda esa obsesión enfermiza por el procesamiento electrónico de las canciones, las máquinas y los loops, que a la postre resultó ser una obra muy superior a la anterior de Radiohead y demostraba que la sombre de Yorke era muy alargada. 'The Eraser' es siniestro hasta decir basta, empezando por la excelente portada del álbum y terminando por las canciones.


IN RAINBOWS
XL, 2007


El disco que será recordado para la eternidad por su lema "paga lo que quieras por él", supuso una grata sorpresa para todos los que pensábamos que Radiohead estaban acabados. Disco lifting, que quitaba 10 años a la banda, de golpe y porrazo, y los acercaba como nunca antes al Pop. Una antológica colección de canciones, ("Bodysnaters", "Jigsaw falling into polace", "reckoner", "Nude") que conforman el disco más bello y adsequible de la banda y lo convertían en el favorito de gran parte de los seguidores de los de Oxford.


miércoles, 16 de febrero de 2011

JAMES BLAKE - JAMES BLAKE


JAMES BLAKE

JAMES BLAKE

R&S

Pop-Dubstep




2010 fue un año bastante rico en el mundo de la electrónica, especialmente en el terreno del dubstep, que vive un ambiente de tensión y cambio, mientras se espera que Burial, dios y señor de este estilo, ponga las cosas en su sitio. Mientras tanto, grupos como Mount Kimbie, Darkstar o How to Dress Well, han contribuido con propuestas arriesgadas, imaginativas y de calidad a abrir horizontes dentro de un estilo, por otro lado, muy enclaustrado en sí mismo. Y para todos los híbridos que han ido saliendo al mercado los críticos han encontrado una etiqueta la mar de original, Post-Dubstep (ejem), y se han quedado tan anchos.

Pues bien, James Blake, un londinense de 22 años, es el compositor que más expectativas ha creado en este aspecto, en parte gracias a los tres EPs, The Bells Sketch, CMYK, Klavierwerke, publicados durante el año pasado, a cada cual más estimulante e imaginativo.

Estaba claro que su álbum de debut iba a ser uno de esos trending albums de 2011 y la verdad es que tras las escuchas, no decepciona en absoluto y se confirma como una de las figuras con más futuro del la música actual.

El debut de James Blake es como un perfume caro: intenso y servido en una pequeña dosis, que en sus escasos 40 minutos de metraje (no llega) nos ofrece un poco de todo. Lo más evidente y reseñable es que su sonido se ha escapado por la tangente y ahora es mucho más cercado al pop-soul futurista que al dubstep, donde su perfecta voz y las notas de piano se superponen a la electrónica, que juega un papel casi secundario, aunque nada trivial.

James Blake
domina su discurso con maestría. Es capaz de jugar con la sutileza del silencio (“The Wilhem Scream”) con la misma facilidad que puede laberintizar sus canciones entre arreglos electrónicos sin que por ello el oyente se sienta provocado (“Unluck”). Su debut es un disco que rebosa sensualidad, genio y espiritualidad por los cuatro costados (“Lindisfarne” colaría en For Emma, Forever Ago, de Bon Iver, sin problemas), pero adolece también de autosuficiencia y pese a que contiene alguno de los mejores minutos que vamos a escuchar en este 2011 (la versión del “Limit To Your Love”, de Feist, sin duda uno de ellos), el disco se va diluyendo irremisiblemente tras superar el ecuador. Da igual, no pasa nada, como dije este perfume destila talento puro y desde luego se van a hartar de ver esta portada a finales de año en las listas. No es para menos.

LO MEJOR: El futuro que tiene este chaval. Podría ser muy grande porque talento le sobra.

LO PEOR: Que su debut tiene mimbres de obra maestra pero se queda en un debut notable.

UNA CANCIÓN: “Limits to Your Love”



miércoles, 2 de febrero de 2011

MOGWAI - HARDCORE WILL NEVER DIE, BUT YOU WILL


MOGWAI


HARDCORE WILL NEVER DIE, BUT YOU WILL

Sub Pop

Post rock con piloto automático.




Paso de entrar otra vez en la dinámica de hablar de por qué el post rock está muerto en estos días o de por qué cualquier disco, aunque sea de lo más digno que haya en este estilo, va a ser siempre obviado por la crítica especializada y carecerá de transcendencia mediática. En serio, paso. Vayamos al disco y punto.

De nuevo nos encontramos con la fórmula adoptada desde ‘Mr. Beast’, a saber, 10 cortes relativamente cortos, teniendo en cuenta el tipo de música del que hablamos, salvo la típica excepción que en este caso toma forma bajo el curioso nombre de "You're Lionel Richie" (estos tíos tienen mucho sentido del humor, basta fijarse en el título del álbum).

¿Qué nos encontramos? Más de lo mismo pero con ligeros retoques, o sea, redundo, lo mismo que han ido haciendo desde aquel lejano 'Rock Action': un toque por aquí, un arreglo por allá, alguna canción más rarilla que otra, pero al final un claro "Made by mogwai", para que la gente no se asuste mucho. ¿Es eso malo? No necesariamente si al final lo que cuenta, que son las canciones, son buenas. Total, estamos hablando de una banda que por decisión propia ha elegido ser un producto por y para fans y/o nostálgicos.

El caso está en que 'Hardcore Never Die...' me aburre sobremanera. Me recuerda horrores a aquel fallido 'Happy Songs for Happy People', que tenía canciones muy buenas pero que entre el me sopor inaguantable que me producía con algunos medios tiempos instrumentales sin chicha ni limoná y la horrible producción, terminé por cogerle manía. Da igual si intentan cosillas, con ese flirteo con el tecno en "Mexican Prang Prix" o consiguen temas interesantes como "White Noise" o "Rano Pano" porque el disco se me hace largo como un día sin pan.

'Hardcore Never Die...' es digo, está bien tocado, tiene sus momentos... pero es anodino en ocasiones y no cuenta nada nuevo.

LO MEJOR: El buen hacer de la banda, reflejado en algunas canciones con encanto aquí y allá.

LO PEOR: Los síntomas más que evidentes de agotamiento.

UNA CANCIÓN: "Mexican Grand Prix", por ser la más atípica del disco.






...OTROS DISCOS DE MOGWAI


YOUNG TEAM
Chemikal Underground
1997


El debut de Mogwai supone uno de los álbumes emblemáticos del post rock junto a 'Millions Now Living Will Never Die' de Tortoise o 'Spiderland' de Slint. Fuerza, actitud y grandes descargas de guitarras para un disco que parece una montaña rusa con tantas subidas y bajadas de ruido y distorsión. Para la historia queda los dieciséis minutos de "Mogwai Fear Satan" o la colaboración con Arab Strap en "R U Still in 2 It" o esa belleza escondida que es "Tracy". El disco rabioso de Mogwai.



COME ON DIE YOUNG
Chemikal Underground
1999


El segundo trabajo de Mogwai consiguió polarizar mucho las opiniones. No abandonaron la actitud punk, nada más basta escuchar las descargas de "Ex-Cowboy", "Chocky" o "Christmas Steps", pero la mayoría del metraje deambula por terrenos mucho más distantes y contemplativos. El disco acusa mucho la languidez y extensión de algunas canciones, pero lo compensa con un derroche de belleza, culminante en "Helps Both Ways", "Waltz for Aidan" o "kappa". Disco de esos que hacen daño no apto si estás pasando una mala racha. El disco depre de Mogwai.



ROCK ACTION
Pias
2001


El post-rock empezaba a ser mal mirado por la prensa especializada y muchos grupos huían de la etiqueta. 'Rock Actión' es un golpe de timón hacia nuevos un nuevo estilo más comercial y accesible, con temas más directos y sofisticados (predominan los arreglos electrónicos, aparecen las cuerdas), pero sin bajar el nivel de calidad. El resultado fue que firmaron la que para mucho es su mejor obra. Puede que la excelente producción de ese monstruo llamado Dave Fridman y de canciones como “Take Me Somewhere Nice”, “Dial: Revenge” (colaboración con Gruff Rhys, Supper Furry Animals) o "You Don't Know Jesus" tenga gran parte de la culpa. El disco Rock de Mogwai.



HAPPY SONGS FOR HAPPY PEOPLE
Pias
2003


Con Tony Doogan (Belle & Sebastian, Astrid) como productor, el nuevo disco de Mogwai seguía el camino emprendido años atrás de temas cortos, inmediatez en las ideas y arreglos meditados y precisos. 'Happy Songs...' no es un disco precisamente feliz aunque contiene los temas más comerciales de la carrera de la banda escocesa: las magníficas "Hunted by a Freak", "Kids Will Be Skeletons" y "Killing All the Flies". Sin embargo, el 50% del disco es pura paja instrumental sosera y a parte de las mencionadas solo "Ratts of the Capital" merece ser recordada. EL disco Pop de Mogwai.



MR. BEAST
Pias
2006


Mogwai aprenden a medias de los errores pasados con este disco que mezcla los mejores aciertos y errores de sus dos anteriores álbumes en una mezcla dispar que es capaz de dar destellos de noise rock como antaño ("Glasgow Mega-Snake", "Folk Death 95" y "We're No Here"), otros dos temas para el The Best of Mogwai ("Travel Is Dangerous" y "Friend of the Night") pero también otros cortes que vuelven a recordarnos lo repetitivos y cargantes que pueden llegar a ser cuando se vuelven trascendentes. El disco sobrevalorado de Mogwai.



ZIDANE: A 21TH CENTURY PORTRAIT
Pias
2006


Banda sonora para el documental homónimo sobre Zinedine Zidane y su último partido de futbol con el Real Madrid (empate 3-3, por cierto). El disco es una recopilación de temas instrumentales que tienen mucha pinta de ser una colección de temas y fragmentos descartados de 'Mr.Beast'. Acompañado del documental la BSO funciona e incluso tiene momentos entrañables, pero la escucha independiente del álbum no es tan recomendable. El disco futbolero de Mogwai.



THE HAWK IS HOWLING
Matador
2008


Mogwai se esfuerzan por introducir pequeños cambios dentro del inmovilismo operante en la banda. "The Sun Smells Too Loud" es el single más atípico de la carrera de Mogwai, presentando el lado más ambient de la banda, mientras que en "I'm Jim Morrison, I'm Dead" suenan más GY!BE que nunca. Además este disco contiene los dos zarpazos más hardcore que se les recuerdan a la banda, las espléndidas "Batcat" y "The precipice", denotando grandes intenciones y saber hacer, pero evidenciando cansancio y la falta de interés del público en general. El disco más desapercibido de Mogwai.