lunes, 31 de enero de 2011

TIM HECKER - RAVEDEATH, 1972


TIM HECKER


RAVEDEATH, 1972

Kranky

Ambient espiritual.




Reconozco que me emociono cada vez que tengo que hablar de un disco de Tim Hecker. No conozco nadie en activo con la capacidad de evocar en mi interior tantas emociones a través de la música. Su capacidad para rescatar de lo más profundo de mi mente recuerdos perdidos e imágenes olvidadas es apabullante. Su música es adictiva, hiriente, perturbadora. Sin embargo, nunca antes había sido más cierta la expresión de que enfrentarse a una nueva obra de este maestro canadiense del ambient es "una experiencia religiosa".

Pero perdónenme, me estoy yendo por las ramas, así que empezaré el análisis del disco y para ello comenzaré por abordar el tema visual y conceptual del mismo, es decir, la portada, esa portada.

Para la elaboración de la misma, Hecker se basa en el primer lanzamiento de piano realizado por alumnos del M.I.T (Instituto tecnológico de Massachusetts), que con dicho acto simbólico pretendían marcar el fin del periodo de clases y la despedida de los alumnos tras acabar sus estudios. El primer lanzamiento se llevó a cabo en 1972, reflejada perfectamente en la fotografía en portada, y se sigue haciendo cada año. El tema inicial del álbum, "The Piano Drop" hace alusión directa a este acto. Sobre los nombres de las canciones y/o suites, Hecker comentó que no supo exactamente cómo se le ocurrieron, sino que salieron de su interior manifestándose como si un fantasma le hubiese tomado los dedos para escribirlos.

Dicho esto, me desahogaré diciendo que no creo haber visto en mucho tiempo una cover, un concepto artístico-musical y unos títulos para el álbum y pistas tan bellos e intrigantes como los que contiene este disco. Simplemente de los mejores que he visto nunca.

‘Ravedeath, 1972’, es el 6º álbum oficial de Tim Hecker (sin contar colaboraciones, y demás historias). Para su grabación decidió trasladarse a una iglesia de Reikiavik y contar con la ayuda en la producción de otro que también se las trae, Ben Frost, un crack donde los haya que ya ha firmado dos obras esenciales de electrónica moderna: ‘Theory of Machines’ y 'By the Throat'. Con la ayuda de un órgano de iglesia como instrumento estrella, el álbum es el resultado de las sesiones en vivo entre improvisaciones en 24 horas de intenso trabajo en dicha iglesia.

‘Ravedeath, 1972’, se compone de un preludio, tres suites que son claramente el tronco de la obra y tres canciones de transición. "The Piano Drop" comienza con una distorsión saturante que casi no nos permite escuchar la melodía principal, una lucha en la que ambas se van interrumpiendo irremisiblemente. Ciertamente los comienzos de los discos de Hecker son uno de sus fuertes y éste no decepciona. Entramos en la primera suite "In the Fog", suave, entre sintetizadores y el órgano de iglesia, diluyéndose en la bruma mientras suenan martillazos en teclas de pianos y constantes notas invertidas a nuestro alrededor. Hecker suena más oscuro, no tan denso, jugando más con el silencio y la insinuación. El 2º acto entra tímida, entre amagues, cobrando protagonismo absoluto el órgano de tubos: "In The Fog II" es como escuchar Arvo Part perdido entre drones místicos. Adoro esta canción.

Tras esta suite aparece "No Drums" que, al igual que "Analog Paralysis, 1972" y "Studio Suicide, 1980" son bellos tracks ambient aunque, como advertía antes, marcadamente instrumentos de transición entre las diferentes suites que conforman el álbum, algo que para mí es el mayor elemento a reprochar a este disco, una mancha que se perdona desde el momento que comienza a sonar "Hatred of Music", clímax absoluto del trabajo, una de las mejores composiciones que nos haya entregado nunca el genio canadiense. En verdad no tengo palabras para describir esta maravilla, que más que una canción es un pulverizador de almas, así que ni lo intento.

El álbum se cierra que la 3ª suite, "In The Air", en la que mejor se nota ese proceso de improvisación durante la grabación en la iglesia islandesa. Las notas de piano, las guitarras tratadas, los órganos aquí fluyen abiertamente como si de free ambient se tratase. Es un descenso progresivo a la tierra tras alcanzar el cielo, con momentos extremadamente bellos. Un final acorde a una obra magna.

No me cansaré de decir que Tim Hecker es único, que es un genio de nuestro tiempo, un investigador de la psique humana y una de las personas más importantes dentro de la electrónica (y la música en general) de la última década. ‘Ravedeath, 1972’ que desprende talento por todos sus poros, una obra fascinante, aplastante. Escuchar este disco es casi como entrar en éxtasis.

LO MEJOR: El diseño de portada, el nombre de los tracks, el arte conceptual, el prólogo y las tres suites. Vamos, casi todo.

LO PEOR: Pese a mi entregada crítica 'Ravedeath, 1972’ posee momentos dispersos en intrascendentes, que sufren el mal de la improvisación y que evitan que le dé un soberano 10 a este disco.

UNA CANCIÓN: "Hatred of Music I & II".






...OTROS ÁLBUMES DE TIM HECKER



HAUNT ME HAUNT ME DO IT AGAIN
Alien8
2001


Tras sus escarceos con el minimal bajo su proyecto Jetone, Tim Hecker da un salto exponencial con este evocador debut (bajo su nombre) donde ya marcó claramente la pauta a seguir en sus siguientes trabajos, a saber, ambient paisajista, drones enigmáticos y mucha oscuridad. No se engañen con la portada, más que una panorámica de edificios debería aparecer algún paisaje polar porque este disco es frio como el hielo. Puede que hoy escuchar ‘Haunt Me…’ no cause impacto, pero hace 8 años dejarse llevar por la abstracción de "Music for Tundra", escuchar la guitarra distorsionada de "The work of art in the age of Cultural Overproduction" no tenía precio. Buen comienzo.



RADIO AMOR
Mille Plateaux
2003


La popularidad y las grandes críticas llegaron gracias a su 2º álbum, cosechando grandes elogios en Pitchfork y otros medios especializados, y presentaba a un Hecker con un mayor conocimiento y manejo en las labores de producción. ‘Radio Amor’ es la crónica de un viaje sin rumbo a través de inabarcable océano. Hecker da mayor relevancia al piano en sus composiciones ("I'm Transmitting Tonight") y las canciones se vuelven más densas e indescifrables, enmarcadas entre drones de guitarras y crepiteos eléctricos. Tim Hecker se vuelve especial, su estilo es personal y evocador ("7.000 Miles" está a la altura de muy pocos), pero está aprendiendo aún y sabe que puede dar mucho más.



MIRAGES
Alien8
2004


Unas farolas tiñen de intensos brochazos verdes una noche inquietantemente oscura. Las portadas de Hecker nos dicen mucho de lo que encontraremos en el interior de sus álbumes. Fogonazos sonoros en el crepúsculo de una urbe decadente. Guitarras distorsionadas hasta el extremo, bruma drone, inquietud minimalista... ‘Mirages’ es un disco enfermo, disperso y menos inspirado que sus dos anteriores trabajos, acusando la falta de frescura de algunos de sus temas. Hecker hizo bien en poner "espejismo" a este álbum, porque es difícil encontrar fallos en una discografía tan sólida. ‘Mirages’ no es la excepción, pero sí es su disco más irremediablemente autista. Hecker se ha perdido en la noche.



HARMONY IN ULTRAVIOLET
Kranky
2007


El debut de Tim Hecker con kranky supone una de las obras maestras más excitantes e influyentes de la música electrónica, toda una exhibición de portento compositivo, apabullante desde su comienzo con la maravillosa "Rainbow Blood", con la que se abre y se cierra el disco, los minutos antológicos de "Chimeras", los bucles infinitos de "Dungeoneering" o la saturación noise de "Whitecaps of White Noise". ‘Harmony in Ultraviolet’ es ambient poético, donde cada drone, cada teclado, cada nota de guitarra procesada es una sílaba dentro de un verso inmortal e hiriente. Capas y capas de emocionante ambient épico. Hecker ha parido una obra orgánica, nostálgica, emocionante.




TIM HECKER & AIDAN BAKER
FANTASMA PARASTASIE
2008


Interesante colaboración con su compatriota Aidan Baker, (ARC o Nadja) en el que se adentran en el farragoso terreno de dark drone. Hay momentos interesantes, como "Phantom on a Pedestal", donde el noise culmina en unas bellas notas de órganos, o "Hymn to the Idea of Night" , que recuerda irremisiblemente a los momentos más épicos de la obra de Hecker. El disco gana más cuando la propuesta se inclina en la balanza de Hecker que cuando se inclina hacia el lado de Baker, pero claro, yo no soy la persona más indicada para decirlo. Juzguen ustedes mismos.




AN IMAGINARY CONTRY
Kranky
2009


Muchos tacharon este disco como continuista y sinceramente les doy la razón. ‘An Imaginary Country’ continua la excelencia demostrada en su anterior trabajo, repite el formato de obra cíclica y vuelve a dar en el blanco con otra obra atemporal y desbordante. Si en ‘Harmony in Ultraviolet’ llega a su cota de sofisticación sonora, con este álbum consigue llegar al culmen emocio-conceptual. Hecker crea su país imaginario como su de un Saint-Exupéry moderno se tratase, a golpe de sintetizadores mágicos y con la acertadísima inclusión del melotrón en gran parte del metraje. "100 Years Ago" comienza un viaje bucólico a través de la mente de Hecker, en el que el oyente cierra los ojos dejándose llevar por postales sonoras que conforman cortes antológicos como "Sea of Pulses", "Borderlands" o "Paragon Point". Hecker es el más grande.

lunes, 24 de enero de 2011

DESDE EL POLO NORTE CON AMOR: Parte 4 (del 5 al 1)


OWEN PALLETT
HEARTLAND
(Domino)
Ópera Pop



Al Sr. Owen Pallett lo conocíamos anteriormente por su seudónimo de Final Fantasy. Quién le iba a decir que Hironobu Sakaguchi, creador de su reverenciado videojuego, le interpondría una demanda por derechos de autor y se viese obligado a adoptar su nombre a la hora de lanzar su último y flamante álbum 'Heartland'. ¡Qué cosas tiene la vida!

Bueno, este percance desde luego no ha afectado lo más mínimo a Owen , que ha conseguido reunir su mejor disco hasta la fecha, a saber, una seudo ópera pop barroca, a medio camino entre la música de cámara, el folk electrónico y una soundtrack imaginaria de una película de Dungeons & Dragons. Vamos, lo que lleva intentado sacar Patrick Wolf toda su carrera pero que aún no ha conseguido y puede que no consiga jamás.

Pese a la grandilocuencia de la propuesta y a los excesos que se permite constantemente en alguna de sus composiciones, estamos ante un disco de una belleza incomparable, creado por un música, violinista y productor de los que no abundan.

LO MEJOR: Desprende belleza por los cuatro costados.

LO PEOR: En cada nota hay mucho almíbar, así que si no te gustan los dulces esto empalaga que no veas.

UNA CANCIÓN: "Lewis Takes Off His Shirt"









FOREST SWORD
DAGGER PATHS
(Olde English Spelling Bee)
Post todo



Forest Sword es el proyecto tras el que se esconde un tal Matthew Barnes y que debuta este año con 'Dagger Paths', tras haber lanzado un EP en 2009.

No exagero si les digo que este álbum me resulta tan imprescindible y trascendental para cualquier género musical que lleve con un "post" delante, como lo fueron en su momento otros disco emblemáticos como 'Spiderland' de Slint o 'Laughting Stock' de Talk Talk para el nacimiento del post rock en los inicios de los 90s.

Forest Sword ha sido capaz de encontrar un nexo de unión entre géneros tan dispares como el dubstep (tan en alza en esta época), el drone, el dub o el lo-fi, con el hundido y despreciado post rock, dotando el proyecto de personalidad propia. Por eso no es de extrañar que en "Hoylake Misst" aparezcan punteos de guitarra más propios de las BSO de Morriconne entre percusiones marciales y efectos sonoros aquí y allá; o que en "Miarches" y "Glory Gongs" los sampleos vocales nos recuerdes al Burial más enfermizo y oscuro. En serio, escuchar una canción de dubstep, con ritmos de dub jamaicano, punteos de western-guitar, sampleos de vocal soul y todo con tranquila parsimonia... eso no tiene precio.

Todo vale en 'Dagger Paths'.

LO MEJOR: Tantos estilos juntos, tantas influencias y sonar a la vez tan... fresco y cotidiano.

LO PEOR: Dejarse fuera de setlist en single "Rattling Cage".

UNA CANCIÓN: "If You Girl"









EMERALDS
DOES I LOOK LIKE I'M HERE?
(Mego)
Pop Hipnagógico.



Una alucinación hipnagógica es aquella alucinación auditiva, visual o táctil que se produce poco antes del inicio del sueño y que expresa una situación de tránsito entre la vigilia y el sueño. Este concepto, acuñado en la revista The Wire, es idóneo para explicar el camino de muchas bandas de corte electrónico que purulan a nuestro alrededor, tales como Fuck Buttoms, These New Puritans, Solar Bears, Oneohtrix Point never o Emeralds, uno de los exponentes más interesantes de este movimiento, que aboga por el desbordamiento instrumental a través del trabajo manual, los instrumentos analógicos y con la mirada puesta fijamente en los grandes progresivos alemanes de los 70s, tales como Cluster, Klaus Schulze o Tangerine Dream, entre otros.

Emeralds son tres chicos de Cleveland que nacieron como banda en 2006 y con una discografía que se extiende a unas 40 obras, entre grabaciones amateurs, tapes y otras rarezas, casi todas disponibles en la red.

Tras fichar con Mego (por cierto mi sello discográfico favorito del año, de largo) editaron el notable 'What Happened', pero ha sido con su continuación, 'Does It Look Like I'm Here?', cuando han conseguido el reconocimiento de unos pocos, tampoco nos engañemos. Para ello en su nueva obra han reducido el minutaje de las canciones acercándolas al formato tradicional de canción y dado especial atención a la melodía, donde el papel de la guitarra de Mark McGuire (que me recuerda horrores a Mike Oldfield) tiene un papel trascendental. Emeralds dan una lección de electrónica pastoral, space rock e incluso avant-garde, llegando incluso a superar en ocasiones las aportaciones de sus referenciadas influencias: estoy seguro que a día de hoy Edgar Froese mataría por sacar una canción con Tangerine Dream la mitad de buena que "Candy Shoppe" o "Does It Look Like I'm Here?". Impresionantes.

LO MEJOR: Redescubir el amor perdido que tenía por la electrónica progresiva de los 70 a través de un disco tan bien hecho como éste.

LO PEOR: Hay canciones que resultan mero relleno.

UNA CANCIÓN: "Does It Look Like I'm Here?"









ONEOHTRIX POINT NEVER
RETURNAL
(Mego)
LSD Ambiental, Hauntology



Hauntology, musicalmente hablando consiste en conjurar fantasmas sonoros de un pasado perdido para reubicarlos en un contexto nostálgico, más próximo a la ensoñación que al revival. No te has enterado del todo de qué he querido decir, ¿verdad? No pasa nada.

Coge tus cacos y pon 'Returnal'. Suena "Nil Admirari" y te sientes aterrorizado y apabullado ante el exceso de noise con el que se abre esta brutal maravilla creada por un mago llamado Daniel Lopatin. Entra "Describing Bodies" en acción en tus oídos, como un fluir y de repente tu mente se activa (o desactiva) a cada nota que resuena en tus oídos. Casi cuando quieres darte cuenta de tu estado hipnagógico (ahora sabemos lo que es) ya ha pasado "Stress Waves" y te encuentras escuchado "Returnal", el momento pop del disco y único descanso para el oyente que si avispado reconocerá la voz de Karin Dreijer (The Knife o Fever Ray). Ya has escuchado el 50% del álbum y ni te has percatado de ello. Escuchar 'Returnal' es como navegar en un océano lisérgico dentro de tu propia habitación.

Es casi imposible describirte los ocho cortes del disco. Es una experiencia tal sobrenatural, tan drogadictiva, tan alucinógena que cada uno puede percibir e interpretar la música de Oneohtrix Point Never de una manera diametralmente distinta a la mía. No estamos hablando de música, hablamos de emociones creadas por la acción de sonido en nuestro cerebro.

Tras escuchar esta obra maestra ¿Has entendido qué es el Hauntology? ¿Tienes palabras para describir lo que acabas de sentir? Bueno, a mí se me ocurre una, quizás no sea la más culta pero refleja bien lo que siento: A CO JO NAN TE.

LO MEJOR: La experiencia sonora.

LO PEOR: Salir corriendo horrorizado al escuchar el radical primer tema. Aguanta, vale la pena.

UNA CANCIÓN: "Returnal", por ser la única canción al uso que tiene el álbum.









STANDSTILL
ADELANTE BONAPARTE
(Buena Suerte)
Pop-Rock campeón del mundo.



Muchas cosas han cambiado en Standstill durante sus 12 años de carrera. Lejos quedan ya aquellos discursos hardcores de 'The Tide' y 'The Ionic Spell', que fueron sustituidos por el rock sólido de ‘Standstill’, ya abrazando la lengua materna, y que ampliaron sus horizontes hasta límites inimaginables con 'Vivalaguerra'. 12 años que no han servido más que para madurar la que creo es la mejor banda española que haya conocido nunca y una de las mejores del panorama internacional.

Superar el calado de ‘Vivalaguerra’ era difícil. ‘Adelante Bonaparte’, de hecho no supera a su antecesora, ni lo pretende. Es una obra absolutamente independiente y autosuficiente, una joya materializada en un triple EP que desarrolla una obra conceptual o, en palabras del propio Eric Montefusco, "una fábula circular en tres partes", cada uno de ellas, independiente y a la vez complementaria del anterior, girando en torno al ficticio personaje semiautobiográfico "B."

El primer Ep, subtitulado "Algunos recuerdos significativos de B.", arranca con el comienzo más devastador que he escuchado en mi vida. Imposible retener las lágrimas ante "Todos de Pie", cuyo estribillo, casi un año después de su edición sigue emocionándome como el primer día. "Hombre Araña" es otra obra maestra hecha canción, que nos transporta de la manera más sutil y sencilla a la infancia perdida, tema en el que se reincide en "La familia inventada". Con la radioheadniana "Vida normal" y tras varias transiciones instrumentales, llegamos al siguiente plato fuerte, "Adelante Bonaparte I", la felicidad y el optimismo hecha canción. Sin palabras.

El segundo EP, "B. pasa de querer comerse el mundo a esconderse en una pequeña parcela", abre con "Adelante Bonaparte II", abrazando el pop de cámara, para adentrarse en la fase más oscura del álbum, de difícil escucha pero igual valía, hasta desembocar en otra cota de álbum, una asfixiante "Moriréis todos los jóvenes", con un final simplemente antológico.

"El corazón de B. despierta", tercer Ep, es el más esperanzador de los tres, es más abierto al pop y también el más irregular en cuanto a contenido. "Cuando ella toca el piano", pese a su belleza intrínseca, roza peligrosamente lo cursi, mientras que "Elefante", acusa su minimalismo en exceso y provoca cierto tedio en el oyente. Pese a ello, canciones como "Hay que parar", con unos arreglos de xilófono espectaculares o "Ayer soñé contigo" consiguen mantener el pabellón alto, hasta llegar a un epilogo final, con "Canción sin fin", una versión alternativa a "Todos de Pie", pero con una temática diametralmente opuesta, mucho más esperanzadora y vitalista.

'Adelante Bonaparte' es un extraordinario regalo para el oyente. Un acto de contrición musical y emocional conmovedor. Un salto al vacío sin red. Y sí, es una obra imperfecta también: tan imperfecta como la vida misma puede llegar a serla.

LO MEJOR: Que son españoles. Deberíamos estar orgullosos de ellos más que de la selección española de fútbol.

LO PEOR: Que dejen de sacar discos.

UNA CANCIÓN: "Todos de Pie"



DESDE EL POLO NORTE CON AMOR: Parte 3 (del 10 al 6)


LCD SOUNDSYSTEM
THIS IS HAPPENING
(DFA)
Dance punk con cencerros.



Todavía tengo el miedo en el cuerpo ante la revelación de James Murphy de que este tercer disco de LCD Soundsytem será el último de la banda. Si al final es fiel a su palabra, estaríamos perdiendo a uno de los compositores más estimulantes de los últimos años. Al menos nos queda el consuelo de que si se va, lo hace en la cresta de la ola, entregando discos trascendentes, irónicos en su contenido, capaces de inspirar y crear tendencias. lo hizo con su debut, lo mejoró con cualitativamente con 'Sound of Silver' y lo mantiene con 'This is Happening'.

El supuesto testamento de James Murphy es impresionante, con un temazo sin paliativos para empezar de nuevo minutazos ("Dance Yrself Clean"), la sinvergonzona y velvetniana "Drunk Girls", ese pelotazo tan Bowie llamado "all i Want", más desenfado y cencerros con "Pow Pow" y tocar el cielo con "You Wanted a Hit". ¡Qué grande es este tío! Espero que lo de retirarse haya sido una broma.

LO MEJOR: James Murphy, hacedor y señor de lo mayores y mejores ritmos para mover el esqueleto.

LO PEOR: Que sea el último disco de LCD Soundsystem

UNA CANCIÓN: "You Wanted a Hit"








THE NATIONAL
HIGH VIOLET
(4AD)
Pop-Rock.



Tan solo basta escuchar los primero acordes de la guitarra distorsionada con al que se abre "Terrible Lie" para darse cuenta de que The National esta vez lo han conseguido, han hecho su Obra, en mayúsculas. Ya habían demostrado que eran una de las bandas más sugerentes de rock dentro de panorama americano, pero este 'High Violet' suena a gloria, y este terrible mentira por momentos me encoge el pecho. Suena "Sorrow". ¿Todo el disco va a ser así de grande, por dios? Bueno, pues casi sí. La voz de Matt Berninger se adhiere a la piel, sus letras fustigan... 'High Violet' es uno de esos disco que te pondrías en los días te tristeza aún a sabiendas de que no serviría más que para darte el empujón final al abismo. Prueba a ponerte este disco un día de lluvia y si no se te salta una puñetera lágrima a la altura de "Afraid of Everyone" es que no tienes corazón, lo que tiene es una patata cocida.

Pero 'High Violet' también tiene momentos de pausa, incluso algún que otro desliz, si no estaríamos hablando del disco del año. Afortunadamente eso puede ser incluso una buena noticia, porque para el siguiente disco de The National espero lo mejor y tras escuchar este disco creo que "lo mejor" está al alcance de sus manos.

LO MEJOR: La cara A es de traca.

LO PEOR: La cara B es de notable, si eso es un defecto, claro.

UNA CANCIÓN: "Terrible Lie"







SPOON
TRANSFERENCE
(Merge)
Indie rock



Spoon es una de las bandas más injustamente tratadas que haya conocido nunca. Me explico, no es que sea una banda maltratada por la crítica, al contrario, todos los años recoleta un buen puñado de grandes reseñas en múltiples plataformas, pero parece mentira que una banda con tan buenos y variados trabajos y con 14 años de trabajo a las espaldas no haya conseguido el reconocimiento multitudinario que se merecen. Cosas de estos tiempos supongo. Luego nos extrañamos de que otras bandas de medio pelo con disco y medio en las tiendas estén tan bien miradas.

Bueno, me voy por las ramas. Spoon, ‘Transference’, séptimo álbum de la banda. ¿Novedades? Sí, un giro destacado hacia el pop, con un especial gusto por el desarrollo instrumental en las canciones, algo que hasta el momento estaba reñido con el ideal de sencillez y efectividad tan propio de la banda. ¿Resultado? Pues a mi entender el mejor álbum que han sacado, una gozada para los oídos. Pero claro, de esto solo me enteraré yo, ¿verdad? ¿O acaso han visto este disco en otra lista del año? Como diría La Blasa... ¡Ay señor! ¡Llévame pronto!

LO MEJOR: Cuando alargan las canciones lo hacer con un gusto fuera de lo normal.

LO PEOR: La ñoñería de "Goodnight Laura"

UNA CANCIÓN "Out Go the Lights"







ARCADE FIRE
THE SUBURBS
(Merge)
Pop-Rock Indie


Tirando de tópico diré que Arcade fire se enfrentaban al "difícil su tercer" con este 'The Suburbs'. Que digo yo que todos los discos a sacar son difíciles cuando es pretenden que sean buenos, pero dejémoslo ahí. Tras escuchar los isgles "The Suburbs", "Ready to Start" o "Month of May" me esperaba lo peor. Arcade Fire se había despojado de barroquismo pop, de la épica escupe lágrimas y había lanzado 3 avances de rock, sin estribillos memorables, guitarra en mano y con un regusto springteeniano que no te veas. Bajón, sí, y tras unas escuchas detenidas, subidón y esperanzas para el futuro, porque 'The Suburbs' es ante todo una puerta abierta para escapar del agotamiento, del hype, de la autoparodia.

Win Butler y Co. han dado un gran paso para derrotar el inmovilismo que se podría intuir en la banda canadiense con un doble álbum lleno de buenas intenciones. Ahora sus canciones se abren a Dylan y Springsteen ("Modern Man"), resuenan ecos garageros ("Month of May") e incluso se abren a las pistas de baile ("Sprawl II"). Además ofrecen algunas temas que están entre lo mejor de la banda, como la propia "The Suburbs", "Ready to Start", "Wasted Hours" o "Deep Blue". Y todo ello, sin perder la identidad y sin trucos baratos en la manga.

La pregunta está clara. ¿Y ahora qué?

LO MEJOR: Se han renovado antes de morir.

LO PEOR: Un doble disco con 16 canciones... alguna canción es carne de cara B, pero se les perdona.

UNA CANCIÓN: "The Suburbs"









BEACH HOUSE
TEEN DREAM
(Sub Pop)
Dream Pop.

Probablemente el dúo formado por Alex Scally y Victoria Legrand sea la sorpresa más sugerentes de este 2010. Su tercer disco de estudio y el debut en el sello Sub pop supone un salto cualitativo con respecto a su anterior trabajo ‘Devotion’, y regala una colección de pequeñas gemas de retro pop. Para el proyecto decidieron grabar en una pequeña iglesia-estudio de grabación de NYC y contaron con la colaboración del productor Chris Coady, conocido por su trabajo con Tv on The Radio, entre otros, algo que es especialmente en el tema "10 Mile Stereo".

‘Teen Dream’ es pura alquimia pop, donde la psicodelia brota sin reparos entre preciosas armonías vocales ("Used to Be"), teclados de andar por cada ("Norway") y texturas ensoñadodas ("Zebra").

Lo dicho, han consolidado su sonido tras dos intentos anteriores, han reunido 10 canciones de ensueño y son rematadamente únicos.

LO MEJOR: En comparación con 'Devotion', este disco es un paso de gigante.

LO PEOR: Necesita de escuchas y bastante paciencia en las primeras escuchas.

UNA CANCIÓN: "Used to Be"


DESDE EL POLO NORTE CON AMOR: Parte 2 (del 15 al 11)

RETRIBUTION GOSPEL CHOIR
2
(Sub Pop)
Rock



'Retribution Gospel Choir', el debut, fue algo así como una catalizador donde derivar las concentrar toda la ira rockera que alberga el alma de Alan Sparhawk (acompañado de Steve Harrington y Eric Pollard) . Un juguete con el que entretenerse entre disco y disco del verdadero proyecto, Low. No era mal disco, bien acabado, pero muy inferior a ese glorioso disco de low del mismo año, 'Drums & Guns', por ejemplo.
Sin embargo, tras escuchar '2', me da la sensación de que si Retribution Gospel Choir es un juguete con el que divertirse, estamos hablando de "un juguete para mayores".

Este álbum nos presenta a Alan Sparhawk, Guitar Master, a través de un combo de canciones de rock contundente, lleno de psicodelia y noise progresivo, aunque sin perder ese toque marca de la casa más evidente en temas como "Something's Going to Break". Los arrebatos a la guitarra de "Poor Man's Daughter" o "Electric Guitar" son antológicos. Además, "Hide it Away" o "bless Us" son dos temazos que bien merecerían estar en ese 'C'Mon', nuevo álbum de Low para 2011.

LO MEJOR: Alucinar con la solvencia de Sparhawk con la Gibson. Impresionante. Puro músculo.

LO PEOR: Que casi todo el mundo ha pensado "¿Retribution gospel Choir? ah, sí, el proyectito ese que tiene el cantante de Low en solitario, ¿no?" y no se han ni enterado de qué va la película.

UNA CANCIÓN: "Poor Man's Daughter", casi ná.








SHEARWATER
THE GOLDEN ARCHIPIELAGO (Matador)
(Matador)
Indie Rock, Folk, Pop cortavenas.



'Rooks', anterior trabajo de Shearwater, la banda que lidera Jonathan Meiburg junto a su amigo Will Sheff (con el que comparte ese otro proyecto mucho más conocido como es Okkervil river), fue una de las mayores y más gratas sorpresas que me deparó el 2008. Tarea muy difícil estar a la altura de tan impresionante disco, pero el talento de Meiburg no parece haber sufrido síntomas de agotamiento y este nuevo álbum está ahí para atestiguarlo.

'The Golden Archipielago' es un trabajo continuista, que no conformista, ahondado en ese pop de cámara sofisticado, sutil y a la vez generoso en detalles, con el que Shearwater penetra el corazón del oyente. Si empiezo nombrando virtudes es que no acabo, empezando por las cascadas de piano de "Meridian", continuando por el ritmo hipnótico de "Landscapes at Speed", el folk agreste de "God Made Me" y terminado en ese indescriptible single que es "Black Eyes".

No sé si al final Jonathan Meiburg ha conseguido con esa nueva entrega superarse a sí mismo, pero si no lo ha conseguido le ha faltado muy muy poco.

LO MEJOR: La belleza indescriptible que acompaña toda la obra.

LO PEOR: Que la sombra de 'Rooks' es alargada y muchos dirán eso de "más de lo mismo".

UNA CANCIÓN: "Black Eyes"








CARIBOU
SWIM

(Merge)
Indietrónica



Dan Snaith, aka, Manitoba, ya tenía en su haber dos más que interesantes discos: 'Andorra', con este proyecto y 'Up In The Flames' tras su alter ego Manitoba. Pero este año ha pegado el pelotazo y ha conseguido superar las expectativas con 'Swim', su mejor disco. Siempre pensé que Caribou era una copia menor de Four Tet, pero este año me tengo que comer las palabras, pese a que Kieran Hebden también ha sacado un disco notable. Este disco es un exceso de indietrónica de calibre, de ritmos bailables, de soul oscuro. 'Swim' es sofisticado, pero alejado de la electrónica más sesuda. Disfrutable desde principio a fin, nos enseña que no es necesario bases y loops excesivamente complejos para sonar trascendente porque lo que realmente importa es llegar al oyente. No te pierdas este disco canciones como "Odessa", "Find Out" o "Jamelia" no te las puedes perder. Yo aviso.

LO MEJOR: Que si no decaen las futuras entregas de Caribou, en verdad les digo ha nacido una (otra) estrella.

LO PEOR: Las cortes instrumentales no están tan inspiradas como los vocales.

UNA CANCIÓN: "Odessa"








TWIN SHADOW
FORGET
(4AD)
Synth pop, pop ochetero.



¿Un disco del sello 4AD y producido por Chris Taylor, componente de Grizzly Bear? Esto no puede ser malo ni queriendo. Pero es que además George Lewis Jr., cerebro pensante de Twin Shadow, es una de las revelaciones del año, tras presentarnos un debut redondísimo que apuesta por el revival new wave más ochentero. Una gema pop que me hace recordar que el pop de los 80s no fue tan malo. Escucho esa joya con la que se abre el disco, "Tyrant Destroyed" y a mi mente viene Peter Gabriel versionando a The Blue Nile. "Ummm esto me gustaaa" resuena una voz en mi cabeza a lo Hommer Simpson. Luego van "When We Dancing" y "I can't Wait" y ya está, enganchado para todo el año con este disco.

Soft pop de ese que tanto nos gustaba antes pero ahora nos cuesta reconocer, con contados y meditados arreglos, una voz de George Lewis Jr. de lo más soul y un puñado de buenas canciones. La nostalgia me puede.

LO MEJOR: Twin Shadow realiza una mirada inteligente a los 80s rescatando lo bueno de ella y con ganas de contar cosas nuevas.

LO PEOR: También nos recuerda alguna cosilla no tan buena de la década en cuestión en "Yellow Balloon" y "Tether Beat", para qué nos vamos a engañar.

UNA CANCIÓN "I Can't Wait"








SUFJAN STEVENS
THE AGE OF ADZ
ALL DELIGHTED PEOPLE EP
(Asthmatic Kitty)
Folk, pop y electrónica todo bien mezcladillo.


Tras un 2009 muy ajetreado con la edición de 'Run Rabbit Run' (reinterpretación de su 'Enjoy the Rabbit', de 2001) y con 'The BQE', el geniecillo de Detroit no estaba dispuesto a ralentizar su ritmo compositivo y nos ha obsequiado con dos notables nuevos trabajos, el EP 'All Delighted People' y su nuevo álbum de estudio 'The Age of ADZ'. Del primero diremos que con sus 60 minutos de metraje es de todo menos un EP al uso. Más bien nos encontramos con un trabajo de estudio en toda regla, que explora su faceta más acústica y folk, con más que jugosos resultados, dejándonos buenas muestra de orfebrería pop en las dos partes de "ALL Delighted People" y la sorprendente y bellísima suite final de diecisiete minutos "Djohariah".

Por su parte, 'The Age of ADZ' presenta como mayor novedad la inclusión de Sufjan en el terreno electrónico, revistiendo sus canciones con loops y programaciones hasta convertir su nuevo trabajo en una especie de 'Kid A' particular. El experimento funciona en gran parte gracias al buen hacer de Sufjan, pese a que canciones como "Too Much" están sobrecargadas en exceso. Aun así, me sigue gustando más la parte agreste del álbum, con temas tan bellos como "Futile Devices", "Versuvius" o "I Walked". Por cierto, para rematar la faena otra suite final, ahora de 25 minutos. No nos engañemos, este señor tiene un tirito dado, la verdad.

LO MEJOR: la versatilidad de los dos discos, el nivel de calidad de la propuesta y el descaro de Sufjan para ofrecerla.

LO PEOR: Entre tantos minutos de música es imposible no encontrar algo de paja, pero nada grave tampoco.

UNA CANCIÓN: "Futile Devices"